Tommy (1975)

“Tommy” de Lean Anderson, estrenada en 1990, es una película que se ha ganado una reputación peculiar: a menudo descrita como “peculiar”, “extraña” o incluso “excéntrica”, pero que, en mi opinión, posee una profundidad emocional y una experimentación visual que la convierten en una joya cinematográfica sorprendente y memorable. Lejos de ser una simple historia de superación, “Tommy” es una meditación sobre el aislamiento, la soledad y el impacto devastador del trauma en la psique humana.

La dirección de Anderson es absolutamente magistral. El estilo visual de la película es inconfundible: una paleta de colores vibrantes y casi onírica, con una saturación intensa que, en muchos momentos, recuerda a las ilustraciones de libros infantiles. Esta estética, en lugar de parecer infantil, funciona como una lente distorsionada de la realidad, reflejando la percepción alterada del protagonista. Anderson no rehuye la exageración, abrazando lo grotesco y lo surrealista para expresar el estado mental de Tommy, un niño atrapado en un limbo emocional. Las secuencias de pinball, coreografiadas con una intensidad inesperada, se convierten en un escape, un vehículo de expresión para un alma que no puede comunicarse verbalmente. Es fascinante observar cómo la violencia del pinball se refleja en la violencia del trauma que ha marcado la vida de Tommy.

Las actuaciones son excepcionales. Pete Davidson, en su papel debutante, ofrece una interpretación conmovedora y, a veces, inquietante de Tommy. Su capacidad para transmitir una profunda tristeza y un creciente desapego emocional con el mínimo uso de palabras es admirable. La química entre Davidson y瑛子的, quien interpreta a Ginny, la "madre" sustituta de Tommy, es palpable. Su relación, basada en la devoción y la dependencia mutua, es compleja y a menudo perturbadora, pero también llena de momentos de ternura y conexión. La interpretación de瑛子的, en particular, es exquisita; su presencia imparte una atmósfera de melancolía y vulnerabilidad que es central al desarrollo de la trama.

El guion, adaptado de la novela homónima de John Riley, es una de las mayores fortalezas de la película. Evita caer en clichés y estereotipos sobre la discapacidad. El diálogo, deliberadamente simple y directo, obliga al espectador a prestar atención a las expresiones faciales y el lenguaje corporal de los personajes. La estructura narrativa, no lineal y fragmentada, imita la forma en que Tommy procesa el trauma, saltando entre diferentes momentos de su vida. La película explora el tema de la soledad con una honestidad brutal, mostrando cómo el aislamiento puede llevar a la autodestrucción y a la búsqueda de la validación a través de la fama y la adicción. La exploración de la conexión con el pinball no es meramente una forma de entretenimiento, sino una metáfora de la búsqueda de un propósito y una forma de control en un mundo caótico.

“Tommy” no es una película fácil. Su estética experimental y su enfoque a veces perturbador pueden resultar desafiantes para algunos espectadores. Sin embargo, para aquellos que estén dispuestos a dejarse llevar por su atmósfera única y a sumergirse en la historia de un niño marcado por el dolor, “Tommy” ofrece una experiencia cinematográfica inigualable, una meditación sobre el impacto del trauma y la búsqueda de la humanidad en las profundidades de la soledad.

Nota: 8/10